Efectos Vintage y Cinematic para tus fotos en GIMP

Muchos de vosotros habéis solicitado en diversos post que empecemos a prestar más atención aGimp, una alternativa a Photoshop que cada vez más usuarios escogen por su carácter gratuito y libre, y porque va mejorando en cada versión. Hemos tomado nota y vamos a empezar con una serie de post centrados en este programa y en sus posibles utilizaciones en el campo de la fotografía.

Los tutoriales también se pueden realizar sin problemas en Photoshop, si conocéis bien el programa sabréis donde acudir para modificar los parámetros que se mencionan, aunque os animo a los que aún no habéis experimentado con GIMP a probarlo. Su utilización no es muchísimo más complicada que la de Photoshop, además de ser un programa menos pesado.

Para comenzar he seleccionado dos videotutoriales muy claros sobre cómo añadir dos efectos distintos en nuestras fotos: aspectos Vintage y Cinematic, ideales para nostálgicos. Ambos videos están en inglés, y aunque las imágenes hablan por sí mismas, os incluyo los pasos que se siguen en cada uno en español, bajo el video..

Efecto Vintage

Todos los valores son orientativos, podemos jugar con ellos dependiendo de cómo sea nuestra imagen y de nuestras propias preferencias.

• Aumentamos 20 puntos el contraste (Colores> Brillo y contraste).

• Bajamos 11 puntos el tono y aumentamos 20 la saturación (Colores> Tono y saturación).

• Modificamos ahora los canales rojo, verde y azul de las curvas más o menos como nos indican en el video (Colores> curvas).

• Bajamos 9 puntos el tono y subimos 40 la saturación (Colores> Tono y saturación).

• Creamos una nueva capa y en ella con la herramienta de selección elíptica, nos vamos a Seleccionar> Difuminar> 150 píxeles (este valor es totalmente modificable, depende del tamaño que tenga nuestra fotografía, si es más grande que la del video lo deberemos aumentar lo que corresponda proporcionalmente). Seguidamente vamos a Seleccionar>Invertir, y rellenamos la selección resultante con color negro. Después vamos a Seleccionar>Nada. Por último, cambiamos la opacidad de la capa al 50%.

Personalmente, prefiero cómo queda la foto cuando se llega a este punto. El resultado sería este:

Sin embargo, el tutorial incluye un paso más que le da un aspecto aún más vintage a la foto con unos tonos más rojizos. Es el siguiente:

• Creamos otra capa nueva y la rellenamos con un color magenta (podéis copiar los parámetros del color exacto utilizado en el video). Bajamos la opacidad de la capa a un 8% o un 10%, dependiendo de nuestras preferencias.

Los tonos resultantes son los que podéis ver en la foto de cabecera del post.

Efecto Cinematic

• Bajamos la saturación en 50 puntos ( Colores> tono y saturación).

• Modificamos las curvas (Colores> curvas) para conseguir una especie de S, como se muestra en el video. En este paso es posible que tengáis que jugar un poco con la curva hasta encontrar un punto justo dependiendo de vuestra imagen.

• Duplicamos el fondo de la imagen, y en la réplica, nos vamos a Filtros> desenfoque> desenfoque gaussiano.

• Todavía en la capa del fondo duplicado, creamos una máscara de capa. Ahora seleccionamos la herramienta pincel, y vamos a necesitar uno específico que si no tenemos podemos crear nosotros mismos a través de Ventanas> diálogos empotrables> pinceles. Pulsamos en “nuevo pincel”. Lo llamamos como queramos, y dejamos los parámetros en radio 480 o lo que necesitemos (cuanto mayor sea nuestra foto, mayor será el radio que necesitemos). Bajamos la dureza a 0, y el resto lo mantenemos en los valores predeterminados (púas 2, proporción 1, ángulo 0 y espaciado 20). Con color negro, empezamos a pasar el pincel en todos los detalles de la foto que necesiten ser enfocados.

• Añadimos una nueva capa que rellenamos de negro y ponemos a un 70% de opacidad. Con el mismo pincel que hemos creado antes, y usando la herramienta borrador, pulsamos en el centro de la foto 3 o 4 veces, o las que necesitemos, hasta dejar un borde que nos guste.

• Combinamos todas las capas a través de Imagen> aplanar la imagen.

• Añadimos ruido mediante Filtros> Ruido> Ruido RGB. Con la casilla “RGB independiente” sin seleccionar, reducimos los valores a 0,04 y aceptamos. Si nuestra imagen es mayor que la del video, tendremos que dejar este valor más alto para que sea perceptible.

• Creamos una nueva capa y seleccionamos la parte superior y la rellenamos de negro, para emular las bandas negras de las películas. Duplicamos la capa y la colocamos en la parte de abajo.

Ya está terminado. Opcionalmente podemos dirigirnos a Colores> Balance de color, e inclinarnos hacia un tono concreto, por ejemplo hacia el cyan, si queremos unos tonos más fríos. Este es el resultado que obtuve yo:

Espero que os animéis, ya aunque este tipo de efectos en fotografías no os hagan especial gracia, los tutoriales de este tipo son excelentes para ir familiarizándose con GIMP y aprendiendo a usar sus herramientas.

Levitation Photography 7 Tips for Getting a Great Image

Levitation images are magical! They draw the viewer in and make them think about what’s not quite right. If you search the internet for levitation photography, you will find amazing examples. However, levitation photography hasn’t become wildly popular yet. I assume it’s because levitation photography looks really difficult. I think most people would be surprised to learn that in its most basic form, it’s just compositing two or more images in editing software.

Like most portrait photographers, I shoot what I’m good at, and mostly stay inside my little portrait box. Recently, I decided I needed to get my creative juices flowing again and get out of my comfort zone. Levitation photography caught my eye. I learned the basics of how to create such images from posts like this: How to Shoot a Mysterious Levitation Photo.

My first levitation experiment was rough, to say the least. I knew the basics of how to accomplish a levitation photograph, but the images turned out mediocre. The best part though, was coming home after the shoot and writing down all the things I had learned to make my levitation images better for the next time. Below, you’ll see the lessons I learned, so you don’t have to learn the hard way.

Preparing for the Shoot

Tip #1 – Gather Your Equipment

In order to create a levitation photograph, you must have: a camera (that has manual focus capabilities), a tripod, a willing model, a strong fan (if your model has medium to long hair), and something to prop your model up (a stool, chair, or ladder). If you have a camera remote, bring that along too.

Tip #2 – Tell Your Model What to Wear

Clothing can make or break a levitation image.

• Solid color clothing is best. Prints and patterns can make it difficult if you need to clone out certain parts of clothing or liquefy fabric.
• Tell your model not to wear a jacket or sweater. Anytime the model lays upside-down, or sideways, the garment should be hanging down. But if he/she is laying on a stool, the jacket won’t be able to naturally hang leaving the image looking less realistic.
• If you’re going for a feminine levitation shot, long dresses, skirts, or extra flowing fabric can help create the look you’re going for.

Tip #3 – Shoot on a Cloudy Day

Sun and harsh shadows have the potential to create a lot of extra work for you in post-production. Editing out the stools and ladders, yet keeping a realistic shadow of your subject can turn into a job for Photoshop experts.

During the Shoot

Tip #4 – Shoot from a Low Angle

You will want to shoot from a low perspective to give the illusion that your subject is high in the air. However, be mindful of how low you are. If you are lower than the prop your model is standing/laying on, the prop will block parts of his/her body. It is safest to shoot in line with the top of the prop your model is on. Having your model situated at the very front of the prop will also lessen the chance of cutting into the body.

When I erased the garbage can, parts of the model’s body looks like it went missing since it was hiding behind the garbage can.

Tip #5 – Always Photograph the Empty Background

When preparing to photograph the frames that will create your final levitation image, follow these steps.

1. Set up your shot with your model in the frame.
2. Plan the angle you are going to shoot from and set up your camera on the tripod.
3. When your model is in place, choose the focus point on your subject.
4. Set your camera to manual focus and don’t touch it!
5. Take the different shots suggested below, in Tip #6, without moving your focus point or your camera.
6. After you’re sure you’ve captured all the images you need with your model and props, remove EVERYTHING from the scene. Photograph ONLY the empty background. This is the most important image you will take.

Tip #6 – Take Multiple Shots to Create One Image

The most basic levitation image is a composition of two or more frames. At the bare minimum, you will need at least a shot of the background and one of the model in that background.

Most great levitation images use a few more frames to add interest and make the final image more provoking. Here is a list of some shots you might want to take all without changing the focus and position of the camera:

1. Model on the prop(s) – the focus of this shot is on what the arms, legs, and body are doing.
2. Hair and facial expression – the focus of this shot is to capture the models expression and hair moving like it would naturally if the model was really in that position (floating straight up, blowing behind her, etc.). *Hair dryers and small fans are not strong enough to propel hair in specific directions. The longer and heavier the hair, the more powerful the fan needs to be.
3. Clothing – the focus of this shot is to capture the movement of the clothing (if needed). If your model is being pulled one direction, what direction should the loose fabric be moving?
4. Additional props – the focus of this shot is to photograph any extra props you want in the picture (if desired).
5. Empty background – see Tip #5 above to learn more about the importance of this shot.

Shot 2 is a perfect example of how a strong fan would have made the shot more realistic with her hair blowing behind her instead of being held up by an assistant. We did not need to photograph additional props for this image, therefore, we did not do a “Shot 4″ for this composition.

After the Shoot

Tip #7 – Putting the Images Together

Many levitation photographers use Adobe Lightroom and Photoshop to create their final images. Regardless of your software choice, it is recommended to first color correct the series of shots so they are all the same. Lightroom has a great “sync” feature to make sure the exact same settings are applied to the entire series of images.

Next, open the images in an editing software like Photoshop. Start with the empty background image. Next, add in the main image of your model as a layer with a “Reveal All” mask. Simply use a black paintbrush on the mask to remove the props supporting your model. The end of this article describes each step in more detail. Repeat those steps for each frame you’d like to add. Finally, you can merge your layers and put the finishing touches on your final image. Then voila, you have a gorgeous piece of levitation art.

1 – Empty background shot is the bottom layer, with the model image above it. 2 – Select the model image and go to “Layers”> “Layer Mask” > “Reveal All”. 3 – Select the paintbrush, make sure it is black. 4 – Simply brush over the props that you don’t want to show in the final image.

Creating levitation images lets your fantasies become “realities”. Don’t let the laws of physics prohibit you from creating true art For more inspiration, check out these great levitation images to see what is possible. You’ll be amazed.

Your Turn

Have you tried creating a levitation photograph? What was your experience? Do you have any additional tips that would help those getting started? Let us know in the comments. Also, feel free to include a link in the comments to your levitation work. We’d love to see what you create!

7 Buenos Consejos para Mejorar tus Autorretratos

Hacer autorretratos no es nada fácil. Si lo has intentado alguna vez, te habrás dado cuenta de lo que digo. El encuadre y, sobre todo, el enfoque, son dos parámetros clave para conseguir un buen autorretrato. En las siguientes líneas te doy una serie de consejos para que la próxima vez que lo intentes tengas menos problemas. ¿Te interesa?

Estás avanzando con el uso de tu cámara. Has empezado a jugar con los controles manuales, alguna noción de iluminación, y te empiezas a interesar por algunas temáticas. El retrato es una de ellas. Y no hay mejor modelo que tú mismo.

Y es que eres guapo, eres simpático, algo gracioso, y no tienes ningún pudor en posar para la cámara. Bueno, posiblemente no cumplas ninguna de estas premisas y lo sabes, pero lo cierto es que te da verguenza llamar a alguien para que haga de modelo para tí. Y es que estás haciendo tus primeros pinitos en el mundo de la fotografía y aguantar una sesión fotográfica contigo puede resultar un poco duro…

¿Qué mejor modelo que tú? Vamos a olvidarnos de la belleza y la expresividad delante de la cámara. Lo que seguro que tienes es paciencia. Con paciencia y algo de tiempo libre te puedes montar tu propio estudio fotográfico en casa y depurar la técnica todo lo que sea necesario. Así que, vamos a empezar.

El encuadre

El encuadre es la parte más fácil, así que la abordaré primero.

Parto de la base de que estás usando un trípode. Tienes la cámara montada en el trípode y estás de pie o sentado frente a la cámara. Puedes disparar con el temporizador o usar un disparador remoto.

Si todavía no tienes un disparador remoto, creo que deberías leer el artículo en el que cuento cómo conseguí mi disparador remoto por menos de 5 euros.

A la hora de realizar el encuadre no tendrás demasiados problemas siempre y cuando se trate de un retrato en plano entero a plano medio corto (expliqué los distintos tipos de plano en retrato fotográfico en éste artículo). Además, es probable que te toque reencuadrar posteriormente con una herramienta de edición fotográfica como Photoshop para encuadrar correctamente la foto.

Para primeros planos o detalles el encuadre te costará un poco más, ya que cualquier mínimo movimiento te sacará de la foto.

Por eso, independientemente del tipo de plano que utilices, recuerda el siguiente consejo: pon un espejo detrás de la cámara, de modo que puedas ver reflejado el resultado de la foto que aparece en el LCD durante el disparo o después de disparar, según el tipo de cámara que tengas.

El Enfoque

Si el encuadre te ha dado algún quebradero de cabeza, el enfoque te va a sacar de quicio completamente.

Y es que es relativamente normal que la cámara presente ciertos problemas a la hora de enfocar, con el consiguiente resultado de que no salga enfocado lo que tu quieras, o simplemente todo aparezca desenfocado en la foto.

Mucha gente hace fotos y fotos con la esperanza de que alguna sea salvable. Pero hay una serie de medidas que puedes aplicar para ahorrarte este método tan tedioso de prueba y error.

Estas son algunas de las opciones que puedes utilizar:

1. Cierra el diafragma

Esta opción es la más sencilla, pero posiblemente la peor.

La clave de un buen retrato es centrar la atención en el punto de mayor interés (normalmente los ojos). Esto se consigue con diafragmas abiertos, o lo que es lo mismo,profundidades de campo pequeñas.

Cerrando el diafragma asegurarás que la parte enfocada en la fotografía sea mayor, con lo que aumentas la probabilidad de salir enfocado todo tú, pero perderás el poder compositivo que te otorga la profundidad de campo.

Pero si no quieres curarte en salud (y harás bien), el resto de opciones te serán muy útiles.

2. Enfoca sobre un objeto

Sitúa en la posición donde vayas a estar tú después un objeto que te permita enfocar la cámara para bloquear a continuación el enfoque pasando a enfoque manual.

Te servirá cualquier cosa como un muñeco de peluche o una almohada.

3. Enfoca al revés

Lo que marca el enfoque es la distancia. Puedes coger la cámara desde el punto donde te vayas a poner tú y enfocar en la dirección donde vaya a estar situado el trípode.

La distancia entre el trípode y la posición donde vayas a estar es la misma que desde donde estés y el trípode. Fija el enfoque de ese modo y sitúa finalmente la cámara en el trípode.

4. El método de la cuerda

Este mecanismo te permitirá trabajar con aperturas de diafragma grandes. Si quieres ajustar mucho el enfoque, puedes atar una cuerda a la cámara (por ejemplo en la báse del trípode) y tensarla desde la cámara hasta tí.

La cuerda tensa te dará la distancia exacta entre la cámara y tú. Fijate en esa medida y ajusta el enfoque de forma manual con el registro que hayas marcado con la cuerda.

5. Ayudate de cinta adhesiva

Si estás posando de pie, puedes hacer una marca en el suelo con cinta adhesiva. De est emodo sabrás donde te tienes que colocar siempre, a la hora de jugar con el enfoque manual de tu cámara.

6. Ayúdate de una luz

Este es el método que me ha resultado más efectivo sin duda. Para ello necesitarás el disparador remoto.

Con la habitación a oscuras, ayúdate de una pequeña linterna para enfocar la parte del cuerpo que deseas enfocar, como por ejemplo un ojo.

El punto de luz ayudará a la cámara a enfocar, y el enfoque se realizará sobre el punto iluminado. Es un metodo que suele resultar bastante fiable y te permitirá hacer primeros planos o detalles con una precisión inimaginable.

Sacado de http://www.dzoom.org.es/

Claves Para El Autorretrato Creativo: Aprendiendo De Melania Brescia

“Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz”.

McCurry tenía razón, no sólo por la obvia moraleja de la frase, la paciencia, sino también por la finalidad misma de todo retratista: capturar el alma, descubrir la esencia del retratado. Pero… ¿Qué ocurre cuando adoptamos el papel de fotógrafo y fotografiado? Bienvenido a una de las conversaciones más interesantes que conozco, la de tu cámara contigo. Ponte cómodo y abre bien los ojos, Melania Brescia tiene mucho que contarnos.

“Me interesé por la fotografía cuando tenía unos dieciséis años. Decidí que después de mis estudios eso sería lo que estudiaría, así que los dos/tres años siguientes los pasé experimentando con la cámara que conseguí, una 450D. No tenía ni idea de fotografía, de cómo usar mi cámara o de fotógrafos, era totalmente autodidacta y lo sigo siendo hoy día después de haber acabado mis estudios en fotografía. A los dieciocho fue cuando empecé a ponerme en serio con la fotografía, cuando supe manejarme mejor pero, es ahora, con veintidós años, cuando me siento realmente segura de mi trabajo, por fin veo que mis obras tienen un hilo, que se pueden seguir, se pueden leer y sentir.”

Algo Se Complica: Enfoque y Composición

El autorretrato es una disciplina especial, el simple hecho de no poder visualizar la escena en directo dificulta enfoque y encuadre, ¿cómo resolvemos estos dos aspectos? Recuerdo un excelente artículo de uno de los redactores de la casa, Jose Luis Rodriguez, donde se abordan ambos temas de forma clara, ¿le echamos un vistazo antes de continuar?

De entre los consejos citados, el colocar un espejo detrás de la cámara me parece un buen recurso a la hora de encuadrar, sin embargo, también existen otras sencillas opciones. “Aunque tenga una idea muy clara en mi mente, suelo dejar el encuadre lo más abierto posible para tener siempre la posibilidad de cambiarlo o no en el post-procesado”.

¿Qué hacemos con el enfoque? Ya resulta una tarea complicada cuando empuñamos la cámara, ¡imaginaos ahora! Tenemos la posibilidad de cerrar diafragma para asegurarnos permanecer dentro del campo nítido, enfocar sobre un objeto o al revés, sobre el trípode desde nuestra posición.El método de enfoque mediante una pequeñafuente de luz resulta especialmente interesante, ya lo comentaba Jose Luis en su artículopero, quizá la mejor forma de obtener buenos resultados sea conociendo a la perfección nuestros objetivos:

“Cuando empecé a hacer autorretratos (que viene siendo desde el principio) era muy difícil pero, cómo sabía tan poco de todo, me parecía totalmente normal así que no lo sufrí, simplemente llegó el día en el que me di cuenta que sabía: Movía el anillo de enfoque un millón de veces hasta que daba con la tecla, acababa acalorada, muy cansada y hasta cabreada. Poco a poco empecé a buscar objetos cercanos, marcarme una línea dónde colocarme, etc., pero hoy en día, la verdad, estoy tan familiarizada con mis objetivos y mis localizaciones que me suele salir a la primera.”

¿Sin Equipo Strobist? ¡Aprovecha La Luz Natural!

En la actualidad se pueden conseguir equipos de strobist por muy poco, pareciera incluso que el simple hecho de no emplearlos nos restara credibilidad, ¡nada más lejos de la realidad! Cada uno en su especialidad, Melania y yo coincidimos en algo: Nos encanta la luz natural.

“La luz siempre ha sido lo más importante para mí desde que empecé a interesarme por la fotografía, no tenía equipo de flash ni nada de eso, todo era luz natural. Hoy en día si poseo un equipo de Strobist, pero lo he usado tan solo una vez. Sé que es bueno saber manejarse con la luz artificial pero, sinceramente, yo no tengo ni idea. Me siento tan cómoda con la luz natural, es tan bonita y para mí, fácil de manejar, que mientras todos los días se haga de día no veo la necesidad.”

¿Qué Decir De La Puesta En Escena?

Preparar nuestras sesiones fotográficas puede llevarnos días u optar por algo sencillo y minimalista donde prime una idea clara, gran parte de su trabajo se adapta sin rodeos a la segunda opción.

“La verdad es que no realizo mucha preparación antes de una sesión. No me tiro días planeando y pensando, pero sí que hago bocetos, busco lugares, la indumentaria…sobre todo cuando incluyo a más personas en mis sesiones, porque odio hacer perder el tiempo. Cuando se trata únicamente de mí lo suelo hacer todo mucho más rápido y en el momento.”

Otra de las posibilidades a la hora de “visualizar” mentalmente nuestra obra finalizada sería apoyarnos en una herramienta como Photoshop, donde la creatividad no tiene límites.

“Suelo tener una idea clara de lo que quiero, sobre todo transmitir, más que la imagen. Esta puede salir mal, no es como lo tenías pensado, ni en el mismo sitio, salen problemas, pero lo que quieres transmitir siempre va a ser lo mismo. Después de realizar la imagen, sobre todo es en post-producción donde suelo arreglarlo todo.”

Post-Producción Digital Sin Límites

La expresión artística no entiende de “purismos”. In situ disponemos de determinados recursos para crear la “base” de nuestro trabajo pero, actualmente, negar las maravillas que nos ofrecen los programas de edición digital sería un atraso injustificado.

“Para mí es lo más importante, es dónde más horas empleo y lo que más me gusta de todo el proceso. Aquí, como en todo lo demás, soy autodidacta. Sé que mejoro poco a poco pero reconozco que mis métodos no son los mejores, en todo lo que hago siempre sé que hay una manera mejor y más limpia de hacerlo, pero mientras me enseñe y me de resultados me vale.”

¿Os atrevéis con un video-tutorial? Se desarrolla a cámara rápida, sin embargo, podréis deleitaros con absolutamente todo el proceso y “workflow” en tan solo tres minutos, ¡genial!

¿Necesitáis Algo De Inspiración?

La mayor parte de nosotros sentimos curiosidad por la obra de diferentes autores, buscamos inspiración y personalidades afines. La finalidad no debería ser en ningún caso convertirnos en copias exactas de nuestra fuente, de hecho, ese punto de inspiración debe llevarnos exactamente hacia nuestro camino y forma personal de expresarnos.

Melania os propone el trabajo de los siguientes autores:

• Elina Brotherus 
• Elizaveta Podorina 
• Jan Scholz 
• Fanny Latour Lambert 
• Sarah Faust 
• Gregory Crewdson 

Algo Más Que Autorretratos

El autorretrato es una disciplina especial, se crea un vínculo muy fuerte entre la cámara y uno mismo, entre la expresión artística y la exploración interior. “Para mí la fotografía es tan importante porque me sirve de apoyo, me ayuda a expresarme cuando no puedo de otra manera, me ayuda a desahogarme y a hacerme sentir bien. Todos tenemos nuestra manera de expresarnos, de sentirnos en cada momento, un recuerdo, una idea y ésta es la mía.”

No sé vosotros (seguro que también), pero he aprendido mucho de ésta pequeña charla con Melania, de la charla y de su trabajo. Al redactar la entrevista le pedí algún consejo que pudiera sernos útil a los que aun no hemos explorado esta disciplina, por tanto, le dejo el cierre del artículo, ¡hasta la próxima!

“No sigas reglas, técnicas ni ideas que algunos aseguran ser correctas; tú eres el que decide lo que está bien y lo que no, lo que quieres expresar y de qué manera. El arte es sentir, no entender, es conseguir que alguien vea tu trabajo y se vea a sí mismo. No es cámaras ni exposiciones, ni siquiera tu vida personal aunque lo bases en ella. El arte es una persona en cualquier parte del mundo que se siente movida por lo que ve, no importa que sea una lata de tomate o una venus.”

Melania Brescia - Flickr - Facebook – Behance

Sacado de http://www.dzoom.org.es/

Trucos para conseguir las mejores fotografías nocturnas

Desde el punto de vista de cualquier fotógrafo una fotografía nocturna es la más difícil de conseguir, pero si conseguimos captar una buena imagen en un buen momento, posiblemente sea de las más bellas que tengamos.

Pero ¿cómo conseguir esto? ¿qué métodos utilizar? Lo más importante que hay que saber es quenecesitamos un trípode. Para este tipo de imágenes es importantísimo tener un trípode un pulso impecable (algo muy difícil de conseguir), así que nuestro consejo: consigue un trípode, que no son muy caros y son muy útiles.

¿Por qué necesitamos un trípode? Ninguna de nuestras cámaras es capaz de recoger tanta luz de noche con una rápida velocidad. Si por ejemplo, nuestra velocidad es de 2”, sin trípode, en el 99% de los casos la captura quedará movida, lo que no resulta bonito, ni estético. Con nuestro trípode podemos poner la velocidad que queramos para que nuestra cámara coja toda la luz que pueda.

Cosas importantes: No hagas fotos en plena oscuridad y la apertura. La apertura (número f) más alta o más baja, usa una apertura media como 4 o 5. Haciendo esto reduces el halo de estrella que se crea alrededor de las luces que hace que se vean antinaturales. Esta también es una razón por la que es mejor sacar este tipo de fotos durante la ‘hora azul’ (no en completa oscuridad); si la diferencia entre la oscuridad y las luces es muy grande, dichas luces saldrán con esos halos a su alrededor.

No te preocupes mucho sobre el enfoque, vamos a centrarnos en la velocidad, ya que si tenéis una cámara digital, luego podemos procesar la imagen con programas como Photoshop. 

Sacado de http://haciendofotos.com/

Las mejores fotos de flores

Las flores, con sus alegres colores, con su soberbia presencia en el mundo, nacen para morir en poco tiempo, pero mientras están aquí, llenan de belleza los más tristes paisajes.

Flor de Loto

Navegando por la red podrás encontrar millones de hermosísimas imágenes de flores de los más variados colores, tamaños y formas. En este artículo vamos a mostraros las fotos que han llamado nuestra atención, aquellas que son verdaderamente espectaculares por sus formas o sus colores.

Las flores pueden llamarnos su atención por múltiples razones pero imágenes como éstas captan nuestra mirada por esos colores tan vivos, esa vitalidad tan creciente que nos recuerda el momento del año en el que nos encontramos o el lugar en donde estamos porque, como sabéis, no todas las flores pueden darse en cualquier lugar del planeta.

Flor “corazón herido” (Lamprocapnos spectabilis)

Esta preciosidad es originaria del este asiático y suelen florecer a finales de la primavera hasta principios de verano. las flores pueden adquirir un tamaño de entre 3 y 5 centímetros.

Psychotria Elata

Esta planta tropical es famosa por parecer un beso, unos labios jugosos de color rojo preparados para dar el beso más significativo de su vida ¿Quién podría no mirarla?

Orquídea Phalaenopsis

Fijaros por un instante ¿con qué compararíais esta flor?

Ésta es una de las orquídeas más conocidas pues se supone que es una de las más fáciles de cuidar; esta orquídea también es conocida como la “orquídea polilla” por el dibujo de su flor.

Orchis Italica

Las maravillas que puede presentarnos la naturaleza ¿verdad? Si nos parásemos a mirar más a menudo, cómo llegaría a sorprendernos la vida. En este caso, nos encontramos con una flor que también es conocida como “La orquídea del hombre desnudo”

Peristeria Elata

Fijaros en el centro de la flor ¿A qué puede emular?

Esta orquídea también es conocida como la “orquídea de la paloma” no sólo por sus formas que recuerdan las aladas y la cabeza de una paloma, también lo consigue su blancura.

Habenaria Radiata

Una de las orquídeas más hermosas pero también muy delicada, también es conocida como Sagiso (hierba del herón), es común de Japón y Corea.

Impatiens Psittacina

Esta flor también conocida como “flor de perico o loro” tiene la forma perfecta de estos pájaros y podéis verlos en diferentes tonalidades, es asombrosas.

Caleana Mejor

Una orquídea de lo más peculiar que es originaria de Australia, también es conocida como “la orquídea del pato volador” por sus colores y la forma de ese “pico” amarillo.

Anguloa Uniflora

Ésta es una de las orquídeas más llamativas, la perfección de ver a un niño en una cuna hace que uno se quede mirando durante mucho tiempo observando lo que ha creado la naturaleza.

Calceolaria uniflora

Originaria de la Tierra del Fuego del sur de Sudamérica que sólo llega a crecer unos 10 centímetros pero tiene una explosión de color y de vida que enamora.

Drácula Simia

Esta orquídea es muy probable que la hayáis visto más frecuentemente que algunas anteriores, es muy llamativa por la forma de su flor y es conocida por “Orquídea cara de mono”.

Aristolochia Salvadorensis

¿Qué es lo que os recuerda ésta flor? Es incapaz de dejar a nadie indiferente, ha sido denominada de múltiples maneras pero estoy segura de que adivinaréis alguna de ellas sólo con verla.

Sacado de "http://haciendofotos.com/"

1. La flor Beso!

Orquídea del beso | Psychotria Elata

2. Niño en su Cuna

Orquídea Niño en su cuna | Anguloa Uniflora

3. La Calavera

Orquídea Calavera | Antirrhinum majus

4. Angel

Orquídea Angel | Habenaria Grandifloriformis

5. Calamar

Orquídea Calamar | Prosthechea cochleata

6. Polilla

Orquídea Polilla | Phalaenopsis

7. Hombre Desnudo

Orquídea del Hombre Desnudo | Orchis Italica

8. Cara de Mono

Orquídea Cara de Mono | Dracula Simia

9. Abejorro sonriente

Orquídea Abejorro sonriente | Ophrys bomybliflora