Grabación de video en cámaras Reflex. Conferencia Julio Gómez, Fotogenio...

Hacer vídeos con tu cámara réflex

¿Se pueden grabar vídeos de calidad con la cámara réflex? Os contamos algunos detalles a tener en cuenta, cámaras y accesorios.

Ventajas cámara réflex para vídeo

A pesar de que la razón principal que nos lleva a comprar una cámara fotográfica réflex es lacalidad de la imagen, una de las aplicaciones extra que podemos encontrarle es la grabación de vídeo. Después de que en 2010 se grabara el final de temporada de House con una cámara réflex, parece que nada es imposible y los apasionados de la imagen han roto los mitos creando sus propios vídeos con sus cámaras de fotos.

La razón por la que estos vídeos suelen contar con una gran calidad es por los sensores y lavelocidad de los procesadores que cuentan las cámaras réflex actuales, además de contar conobjetivos que se pueden cambiar para lograr efectos y zooms fantásticos.

Podríamos decir que estas tres características que hemos mencionado anteriormente, son las que hacen que algunas réflex puedan obtener mayor calidad de imagen que algunas cámaras de vídeo. Además, que al ser más pequeñas es más fácil utilizarlas en lugares más cerrados o de difícil acceso.

Cámaras réflex y accesorios para vídeo

Para aquellos que aún no os hayáis hecho con vuestra cámara réflex o estéis pensando en reutilizarla, dos cámaras muy recomendadas por ser una de las mejores DSLR para vídeo son laCanon EOS 550D y la cámara Nikon D5200.

Los profesionales del vídeo podéis encontrar todo tipo de accesorios que os facilitarán vuestro trabajo a la hora de hacer una grabación en vídeo de calidad y cómodamente. Algunos de estos accesorios son:

• Antorcha led
• Micrófonos
• Steadicam: para estabilizar la imagen
• Rig: mejora la sujeción de la cámara y estabiliza mejor la imagen
• Follow Focus para mejorar el enfoque del vídeo
• Viewfinder para grabar a plena luz del sol
• Trípode

Todos estos accesorios pueden resultar muy interesantes pero dependerá del nivel de vídeos que queramos hacer y de cómo los hacemos porque, para vídeos caseros con un toque profesional, no hace falta todo este despliegue, algunos pueden venir bien pero no siempre van a ser necesarios.

Cómo grabar con tu cámara réflex

En el vídeo que os presentamos a continuación, podréis ver la conferencia de Julio Gómez enFotogenio 2010 en la que muestra de forma sencilla y bien explicada cómo podéis grabar con vuestra cámara réflex:

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Algunos consejos para realizar street photography por la noche

La fotografía de calle siempre ha sido un mundo de experimentación constante. Aunque nos parece que este tipo de fotografía sólo tiene una variante que es la de realizar fotografías en la calle, el estilo puede ser tan variable como emocionante.

La calle es un mundo abierto a nuestras emociones, sin ir más lejos es de donde conseguimosalmacenar grandes recuerdos de nuestra vida, y las no menos importantes anécdotas de nuestra vida. Es por eso que la llamada street photography podemos realizarla a cualquier hora del día. Cada momento del día tiene sus particularidades dentro de este estilo fotográfico, y uno de ellos es la noche. La carencia de luz puede suponer un reto en nuestras tomas. Por eso, aquí, os dejo algunos consejos generales a tener en cuenta a la hora de realizar estas fotografías:

© Lukas Vasilikos

Busca la luz

Aunque podamos creer que nos encontramos a oscuras aún hay una gran cantidad de fuentes de luz que usar para nuestras fotografías, las cuales nos darán unos bonitos colores y sombras de especial interés. Estas luces y sombras generan innumerables contrastes en las personas lo que nos puede hacer conseguir gran número de siluetas o fotografías con una especial emotividad. Esto también podemos usarlo no sólo con personas sino con todo lo que tengamos a nuestro alrededor.

Hacer jugar a nuestro favor la poca luz

Aunque normalmente el disparar de noche significa tener que subir la ISO y usar un diafragma muy abierto para poder capturar las escenas con una Velocidad de Obturación alta, siempre podemos usar esa carencia para hacer que nuestra creatividad entre en escena.

Las fotografías con movimiento siempre pueden ser un punto a explorar cuando no tenemos mucha luz. Casi seguro necesitaremos de un trípode o de un punto de apoyo, aunque ya sabe, la creatividad debe ir por delante siempre aunque la técnica no parezca exquisita.

© Chuck Patch

La noche un nuevo ecosistema

Visitar por la noche los sitios que normalmente solemos frecuentar de día es una gran idea para conseguir ver la variabilidad en nuestras escenas más cotidianas. Hay que recordar que la calle seguirá en sitio a cualquier hora del día, pero hay miles de otros factores que varían (personas, luces, etc...)

En definitiva, la hora del día marca una gran diferencia en poder conseguir un nuevo ecosistema para nuestras fotos. Además, de día es un momento en el que mucha gente fotografía, algo no tan común cuando se va la luz.

Camina con paso firme pero seguro

Ni que decir que la calle no siempre es un lugar seguro, y por supuesto menos a ciertas horas de la noche. En este caso antes de lanzarnos a sacar nuestra cámara o ir a un lugar sin saber lo que se cuece por ahí es importante tener cierto conocimiento de por donde nos movemos.

A parte de saber que llevamos una herramienta muy jugosa para ser robada, también hay que tener en cuenta a quien o quienes fotografiamos. Y es que aparte de que algo pueda ser legal, debemos saber que la legalidad para algunas personas no deja de ser algo que ver solo en la televisión.

© Umberto Verdoliva

La noche significa poca luz

Este punto hay que tenerlo en cuenta, y es que mucha gente sigue creyendo que si dispara sin luz sus fotografías deben tener la mayor luz posible. Obviamente es de noche, ¿por qué nuestras fotos no pueden o no deben ser oscuras con zonas sin revelar por falta de la misma?

Aquí tenemos que usar un poco el sentido común y dejar de lado el mito de querer que se muestre absolutamente todo.

Here Comes the Bride Seminar with Photographer Andy Marcus

To TTL or not to TTL with Rick Sammon

Consejos Básicos Para Hacer Fotos a la Luna

Seguro que has visto fotografías espectaculares de la Luna en alguna ocasión, pero puede que te hayas llevado una decepción si lo has intentado y el resultado obtenido no es el que esperabas. No te preocupes.

Te aseguro que si sigues los consejos que te voy a dar en las siguientes líneas conseguirás hacer fotos a la Luna de una manera muy sencilla con unos resultados inimaginables. ? ¿Te lo piensas perder?

1. Elige bien la hora

Para hacer fotos a la Luna no se necesita una hora especial; tan solo que la Luna esté visible. [Actualización] Puede parecer que la luna tiene un tamaño mayor cuando se encuentra próxima al horizonte pero, como bien se apunta en los comentarios más abajo, es solo un efecto óptico el que la Luna se vea más grande; si hacéis la prueba comprobaréis que, independientemente del momento que elijáis para hacer la foto, la Luna se verá del mismo tamaño.

Además, el hecho de que el cielo no salga completamente negro le da un atractivo adicional a la foto.

2. Utiliza la medición puntual

Si tu cámara lo permite, utiliza el modo de medición puntual de la luz. Las fotos de la Luna son uno de esos casos en los que viene muy bien disponer de este modo de disparo, ya que la medición matricial o promediada que suelen tener seleccionadas las cámaras por defecto engañarán a la cámara y probablemente la Luna salga quemada.

Al estar el cielo muy oscuro, el medidor de la luz promedia y la luna puede salir como una masa blanca uniforme, perdiendo cualquier detalle de su superficie.

Si tu cámara no permite utilizar la medición puntual, no desesperes; puedes utilizar otros modos de medición. Simplemente tendrás que realizar alguna que otra prueba hasta conseguir buenos resultados. Prueba a ajustar la exposición (baja el EV) para que la cámara subexponga. Con ello evitarás quemar la Luna.

3. Revisa el histograma

La mejor manera de comprobar que la foto está correctamente es revisar el histogramadespués de disparar.

Analiza el histograma y asegúrate de que las luces no quedan reventadas (la parte derecha del gráfico).

Si tu cámara dispone de un modo de consulta en el que las zonas quemadas de la foto parpadean, te resultará muy útil para comprobar si alguna parte de la foto se ha quemado.

¿No sabes muy bien qué es el histograma y cómo se interpreta? En éste artículo te lo explicamos para que tus fotos tengan mucha más calidad.

4. Elige la Mayor Distancia Focal que Puedas

Haz zoom al máximo con tu cámara. Cuanto mayor sea la distancia focal, más grande saldrá la luna.

Bastante pequeña se ve a simple vista la Luna como para que la hagamos más pequeña aún utilizando focales cortas.

5. Enfoca al infinito

La Luna está muuuy lejos. Fuerza el enfoque de la cámara para que ésta enfoque al infinito.

Si la cámara lo permite, coloca el modo de enfoque en posición manual para que quede fijado al infinito.

Si no tienes la opción de enfoque manual o no sabes como utilizarla, intenta enfocar con la cámara en modo automático.

Es probable que al hacerlo el sistema de enfoque de la cámara se vuelva loco y no consigua enfocar. Busca entonces algo que esté lo suficientemente lejos, enfócalo, y manteniendo el punto de enfoque apunta a la Luna y dispara con tu cámara.

6. Usa una velocidad de disparo lo suficientemente rápida

Como la luna está tan lejos, por mucho que lo hayamos estudiado de pequeños se nos olvida que la Luna está en movimiento. Gira lentamente alrededor de la Tierra. Pero no tan lentamente como para que la Luna no salga movida si no tenemos cuidado.

Una velocidad de 1/160 debería ser suficiente como para que no salga movida. A partir de ahí, si utilizamos una focal muy larga, tendremos que utilizar una velocidad aún más rápida para que la foto no salga trepidada por nuestro propio pulso.

Jotaenege nos recomienda empezar con f:8 y 1/125 para ISO100 como punto de partida para iniciar las pruebas. Permite capturar los detalles y no quemar la toma. Un punto más de diafragma da un tono más sepia y uno menos, más blanca.

7. Prueba con unos prismáticos o un telescopio

Una vez un amigo me enseñó unas fotos increíbles de la Luna que había hecho con su pequeña cámara compacta y unos prismáticos.

Simplemente había puesto el objetivo de su cámara en el extremo de los prismáticos, acoplando a mano una lente con la otra. Es una solución bastante casera y es probable que no funcione bien, viñetee o simplemente no se obtenga la nitidez deseada.

Pero desde luego no se pierde nada por intentarlo.

¿Cómo Saber Si Deberías Procesar Una Fotografía En Blanco y Negro o En Color?

Hay muchísimas razones para buscar las fotografías en blanco y negro y otras tantas para hacerlo en color. Pero ¿en qué momento decides que esa imagen que acabas de tomar debe mantener sus tonos y pasarse al monocromo?

Es cierto que hay fotografías que piden (¡a veces a gritos!) un procesado u otro, sin embargo, no siempre será tan fácil y en ocasiones tendrás un dilema que sólo podrás solucionar tú. ¿Ya sabes qué debes mirar para tomar una decisión u otra? ¿Lo que debes tener en cuenta?

Primera Pregunta Obligatoria: ¿El Color Es el Protagonista?

Cada fotografía es un mundo y, por lo tanto, no hay “procesados tipo” para cierto tipo de fotografía. Cuando te toque revelar una imagen, deberás pararte a observarla. Pero para pararte a pensar si debes mantener o eliminar el color lo primero que tienes que hacer es analizar el papel que tiene éste en la imagen que tienes delante. Y para hacerlo, puedes basarte en estas tres preguntas:

• ¿Es importante? Pregúntate si, en la fotografía que estás tratando, tiene alguna importancia el color. Si es representativo. Qué es lo que cuenta el color y si dentro de la historia que cuenta tu imagen, es una parte fundamental.
• ¿Es protagonista? Después de analizar si el color tiene importancia dentro de tu fotografía, pregúntate cómo es esa importancia. ¿Es, quizás, el elemento más importante de la composición? ¿Destaca por encima de otros elementos? ¿Roba protagonismo a algún otro elemento?

Si la(s) respuesta(s) a la(s) pregunta(s) anterior(es) ha sido un sí, esta es la última pregunta que debes hacerte respecto a tu imagen:

• ¿Debe ser protagonista el color en tu imagen? Hemos llegado a la conclusión de que es el elemento que más destaca pero ¿es eso realmente lo que te interesa? Si crees que el color le roba protagonismo a cualquier otro elemento, analiza si ese elemento no es más importante dentro de la composición de la fotografía que el color.

Si la conclusión es que no, que el color es una parte imprescindible, totalmente necesaria, para que la foto que estás tratando sea la que quieres que sea, está claro quelo que debes de hacer es mantenerlo y, por lo tanto, descartar el blanco y negro.

Si, por el contrario, llegas a la conclusión de que el color le resta importancia a otros elementos de la imagen que podrían interesarte más, podría ser que el blanco y negro fuera tu mejor solución. Dicho así parece fácil, ¿no? Como hemos dicho al principio, cada foto es un mundo y no todo se centrará en el protagonismo que tenga o deje de tener el color.

Si el Color Le Roba Protagonismo a Alguien… Fíjate a Quién Se Lo Roba y Cómo

Quizás, en el momento en el que el color tenga un protagonismo que no te interesa, el blanco y negro sea la opción más fácil y rápida para tu fotografía. Pero puede darse el caso de que, por la razón que sea, no te interese eliminarlo. Para poder decidir qué es mejor para tu imagen, lo mejor será que sigas analizando la importancia que tiene el color en ella. Hay dos posibles elementos a los que el color puede quitar protagonismo:

• La composición. Hay una serie de elementos propios de la composición que pueden quedar ocultos tras una importancia “exagerada” del color: las líneas, las texturas, los espacios vacíos.
• El momento captado, esa escena que te llevó a hacer click.

Sea como sea si te interesa conservar el color, antes de decidir quedarte con el blanco y negro, busca otras alternativas: recomposición (haciendo el recorte adecuado puedes llegar a conseguir destacar otro motivo por encima del color), procesado del color (tratando los colores de una manera concreta, por ejemplo)…

¿Para Qué Es La Foto?

A veces la fotografía en sí no es la que tiene la última palabra en el procesado y es que en muchas ocasiones la imagen que estemos tratando no será una pieza individual, si no que formará parte de una serie, sesión o proyecto. En estos casos debes ser consciente del aire general que tendrán las otras fotos.

Y si, por ejemplo, estás trabajando en una serie de retratos en blanco y negro es posible que no haya sitio para una fotografía en color. Aunque, eso sí, no debes olvidar que tus series/sesiones/proyectos son tuyas (a no ser que tengas un cliente que te diga cómo debes hacer las fotos) así que eres tú el que tiene que decidir, al final, cómo serán. Si crees conveniente que una fotografía en color debe formar parte de una serie en blanco y negro, eres libre. Pero siempre siendo consciente de lo que haces y por qué.

Otra cosa que deberías plantearte es la función que va a tener esa fotografía en cuestión: no es lo mismo subir una imagen a una galería en internet, que publicarla en un periódico o utilizarla para una página web o cualquier otro espacio que tenga su propio código gráfico (eso significa que puede ser, por ejemplo, un espacio colorido en el que una imagen en blanco y negro no tenga cabida).

¿Cómo Está Tomada la Foto?

¿Bajo qué circunstancias y con qué equipo? Los colores pueden verse muy afectados por estas dos variables, así que es importante tenerlo en cuenta a la hora de decidir el procesado que debería llevar una fotografía. Hay cámaras (especialmente aquellas que son de gama muy baja) que no tienen una buena gestión del color. Además, hayiluminaciones con fuertes dominantes de color que pueden ser imposibles de arreglar incluso disparando en raw y cambiando, en el procesado, la temperatura de color.

Por otro lado, al hacer fotografías con muy poca luz o en situaciones lumínicas complicadas, pueden verse resentidos los colores. Son algunos ejemplos que deberían hacerte reflexionar sobre cómo son los colores de tu imagen y sobre si realmente vale la pena mantenerlos o trabajar en el blanco y negro puede ser más beneficioso para la fotografía.

La Prueba Definitiva: ¿Qué pasa si…?

Exacto, si todavía sigues sin saber qué deberías hacer con el color de tu fotografía, todavía te queda un as en la manga: probar. Convierte la imagen al blanco y negro y observa qué pasa.

Qué elementos ganan fuerza, qué elementos aparecen (porque antes estaban escondidos entre tanto color) y, sobre todo, qué ambiente general rodea la imagen que tienes delante.

No olvides probar diferentes maneras de tratar los tonos en el monocromo, hay multitud de maneras de interpretar los colores y una imagen con distintas interpretaciones puede variar mucho. Una vez hecho esto, compara ambas versiones y determina qué es lo que le va mejor a la imagen que estás trabajando.

Conclusión: ¿Blanco y Negro o Color?

Habrás deducido, después de leer el artículo, que no hay ninguna regla escrita sobre esto y que, por lo tanto, cada fotografía pedirá una cosa distinta. Hay muchos factores que te harán dudar a la hora de revelar una imagen en color o en blanco y negro, entre ellas la fotografía misma (hay unos tipos de fotografía que suelen funcionar mejor en blanco y negro y, también, fotografías individuales que piden a gritos un procesado concreto) pero también tú mismo (tu estilo fotográfico, lo que necesites de esa imagen en particular, lo que quieras transmitir con ella).

Con el tiempo, la práctica y, sobre todo, el ver muchísimas fotos acabarás desarrollando tu propio criterio personal que te ayudará a tomar la decisión de procesar una foto de una manera o de otra.

5 Sencillos Consejos para Mejorar La Calidad de Imagen en tus Fotografías

Cuando realizamos una fotografía, siempre buscamos que nuestras imágenes salgan lo más nítidas posible, con bonitos colores, sin ruido y bien enfocadas. A veces no lo conseguimos porque cometemos pequeños errores que son fácilmente evitables.

A lo largo de mi experiencia fotográfica he aprendido algunos sencillos trucos para mejorar la calidad de imagen en mis capturas y todo gracias a consejos de fotógrafos más experimentados que yo. En este artículo quiero compartirlos contigo. ¿Quieres conocer mis consejos para dar un salto de calidad en tus imágenes?

1. Utiliza Filtros de Calidad

Es un error muy frecuente gastarnos un dineral en un objetivo superior al que trae nuestra cámara con el kit pensando que vamos a conseguir mejores fotografías y luego lo protegemos con un filtro UV de baja calidad. De nada sirve invertir tantos euros en mejorar tu lente si luego la cubres con un “culo de vaso”. Existe mucha oferta en el mercado pero yo me he decantado por la marca Hoya, concretamente el modelo Pro-1D, es el mejor que he encontrado en relación calidad precio. Por otro lado con la elección de filtros polarizadores o de densidad neutra igualmente te recomiendo que optes por los de buena calidad.

Recientemente tuve la tentación de adquirir un filtro de densidad neutra con ND variable que llegaba hasta 400. El precio eran unos módicos 12 euros, con lo cual mis sospechas sobre que no fuera gran cosa estaban más que fundadas, pero por ese precio merecía la pena probar. Los resultados confirmaron mis peores temores.

Con un filtro de ND400 en teoría puedes hacer del día la noche, disparando a velocidades muy lentas consiguiendo efectos muy creativos a plena luz del día. Pero el resultado fue nefasto, halos por todos los sitios y una calidad de imagen pésima, con lo cual no merece la pena invertir poco dinero en estos filtros si luego las imágenes no valen para nada.

También tengo que decirte que en todas las sesiones de estudio que he participado con fotógrafos de gran prestigio, no utilizan filtro alguno en sus lentes. Puede parecer una temeridad ya que corren peligro de que se pueda rayar la lente pero son riesgos que cada uno debe asumir en función de la calidad de imagen que quiera obtener. Si no utilizas filtro alguno la calidad de imagen será la máxima que te pueda aportar la lente que utilices.

2. El Estabilizador, sólo para Estabilizar

Solemos cometer el error de tener siempre conectado el estabilizador de imagencuando, en realidad, sólo en situaciones de disparos a baja velocidad es necesario. Untruco para saber cuándo es necesario usar el estabilizador de imagen es cuando disparas a una velocidad igual o inferior a la distancia focal. Es decir si utilizas una focal de 50 mm, en cuanto bajes de 1/50 deberías empezar a utilizar el estabilizador.

Tenerlo activado a velocidades superiores no es necesario. El estabilizador de imagen lo que hace es colocar más lentes entre el objeto fotografiado y tu sensor con la consiguiente pérdida de calidad. La mayoría de las marcas te venden que su estabilizador no produce pérdida alguna de calidad pero he hablado con varios profesionales que coinciden que siempre se pierde algo de calidad, a veces, es cierto que casi imperceptible a no ser para ojos muy experimentados. Lógicamente si tenemos montada la cámara sobre el trípode, siempre desactivaremos el estabilizador de imagen.

3. Utiliza Focales Fijas

Los objetivos zoom tienden a utilizar gran número de cristales para conseguir comprimir o acercar la imagen, las focales fijas utilizan muchas menos ópticas y por lo tanto la nitidez de estas lentes es muy superior a los objetivos zoom. Otro problema de los complejos sistemas de lentes de los objetivos zoom hace que crezcan los problemas producidos por las aberraciones cromáticas, distorsiones geométricas o falta de nitidez en los bordes.

Los objetivos fijos utilizan sistemas mucho más simples, suelen ser más económicos que los zoom, también suelen ser más luminosos. Si buscas calidad de imagen por encima de todo, no lo dudes usa un objetivo fijo. Si buscas versatilidad lógicamente un objetivo zoom es tu solución. Un objetivo 50 mm a mi juicio es imprescindible en la mochila de cualquier fotógrafo.

4. Configura Tu Cámara

Es muy importante leerse bien el manual de tu cámara. Encontrarás funciones muy interesantes como por ejemplo la reducción de ruido en exposiciones largas. El único problema de usar esta opción es que el archivo tarda tanto en editarse como tiempo de exposición has tardado en capturar la imagen, pero los resultados merecen la pena. Cuanta más calidad tenga el archivo que salga de tu cámara, más calidad podrás obtener en el resultado final con la edición en tu pc. No pienses que Photoshop o Ligthroom lo arregla todo, configura correctamente tu cámara para obtener archivos nativos de calidad.

Por otro lado tenemos la opción de elegir el espacio de color de nuestros archivos. Era una opción a la que apenas le daba importancia pero la tiene y mucho. Sobre todo si quieres imprimir tus imágenes. En el espacio de color de salida de la cámara elige Adobe RGB ya que obtienes una gama de colores mucho más amplia que el espacio sRGB que está dedicado a reproducir las imágenes en el pc.

Si reproduces en un pc imágenes con espacio de color en AdobeRGB no saldrán todos los colores que has obtenido pero si lo llevas a un laboratorio que imprima archivos con ese espacio de color obtendrás imágenes con mucho más colorido. Eso sí tendrás que advertirlo en dicho laboratorio para que le saquen todo el partido a tu archivo. No tiene sentido que tu archivo de origen ya venga con pérdida de color por eso te recomiendo que configures tu cámara con ese espacio de color.

5. Domina los Programas de Edición

El trabajo del fotógrafo termina cuando la imagen ha sido editada en los diferentes programas de edición. Aquí no me voy a extender demasiado porque conocer y dominar programas de edición lleva mucho tiempo, y en dZoom tienes mucha información al respecto, pero si eres de los perezosos que quiere un algo rápido y sin mucha complicación, te voy a hablar de la regla de 40/20 en Photoshop.

Es un sencillo truco que te da un enfoque inmediato a esas fotografías que por error en su captura salieron algo desenfocadas o simplemente quieres un punto más de enfoque. Abre tu imagen, duplica la capa y a continuación vas a Filtro-Enfocar-Máscara de Enfoque y en los parámetros colocas en Cantidad 40% y en Radio 20 píxeles, dejando el Umbral a 0. El resultado es una imagen más enfocada que la original.

En mi tierra se dice “cada maestrillo tiene su librillo”, a medida que avanzamos en el arte de la fotografía debemos hacernos nuestro propio manual basado en las experiencias individuales. Yo he puesto en práctica todos los consejos que te he comentado en este artículo y me han servido para darle un plus de calidad a mis fotografías. Espero que a ti también te sirvan.

Efectos Vintage y Cinematic para tus fotos en GIMP

Muchos de vosotros habéis solicitado en diversos post que empecemos a prestar más atención aGimp, una alternativa a Photoshop que cada vez más usuarios escogen por su carácter gratuito y libre, y porque va mejorando en cada versión. Hemos tomado nota y vamos a empezar con una serie de post centrados en este programa y en sus posibles utilizaciones en el campo de la fotografía.

Los tutoriales también se pueden realizar sin problemas en Photoshop, si conocéis bien el programa sabréis donde acudir para modificar los parámetros que se mencionan, aunque os animo a los que aún no habéis experimentado con GIMP a probarlo. Su utilización no es muchísimo más complicada que la de Photoshop, además de ser un programa menos pesado.

Para comenzar he seleccionado dos videotutoriales muy claros sobre cómo añadir dos efectos distintos en nuestras fotos: aspectos Vintage y Cinematic, ideales para nostálgicos. Ambos videos están en inglés, y aunque las imágenes hablan por sí mismas, os incluyo los pasos que se siguen en cada uno en español, bajo el video..

Efecto Vintage

Todos los valores son orientativos, podemos jugar con ellos dependiendo de cómo sea nuestra imagen y de nuestras propias preferencias.

• Aumentamos 20 puntos el contraste (Colores> Brillo y contraste).

• Bajamos 11 puntos el tono y aumentamos 20 la saturación (Colores> Tono y saturación).

• Modificamos ahora los canales rojo, verde y azul de las curvas más o menos como nos indican en el video (Colores> curvas).

• Bajamos 9 puntos el tono y subimos 40 la saturación (Colores> Tono y saturación).

• Creamos una nueva capa y en ella con la herramienta de selección elíptica, nos vamos a Seleccionar> Difuminar> 150 píxeles (este valor es totalmente modificable, depende del tamaño que tenga nuestra fotografía, si es más grande que la del video lo deberemos aumentar lo que corresponda proporcionalmente). Seguidamente vamos a Seleccionar>Invertir, y rellenamos la selección resultante con color negro. Después vamos a Seleccionar>Nada. Por último, cambiamos la opacidad de la capa al 50%.

Personalmente, prefiero cómo queda la foto cuando se llega a este punto. El resultado sería este:

Sin embargo, el tutorial incluye un paso más que le da un aspecto aún más vintage a la foto con unos tonos más rojizos. Es el siguiente:

• Creamos otra capa nueva y la rellenamos con un color magenta (podéis copiar los parámetros del color exacto utilizado en el video). Bajamos la opacidad de la capa a un 8% o un 10%, dependiendo de nuestras preferencias.

Los tonos resultantes son los que podéis ver en la foto de cabecera del post.

Efecto Cinematic

• Bajamos la saturación en 50 puntos ( Colores> tono y saturación).

• Modificamos las curvas (Colores> curvas) para conseguir una especie de S, como se muestra en el video. En este paso es posible que tengáis que jugar un poco con la curva hasta encontrar un punto justo dependiendo de vuestra imagen.

• Duplicamos el fondo de la imagen, y en la réplica, nos vamos a Filtros> desenfoque> desenfoque gaussiano.

• Todavía en la capa del fondo duplicado, creamos una máscara de capa. Ahora seleccionamos la herramienta pincel, y vamos a necesitar uno específico que si no tenemos podemos crear nosotros mismos a través de Ventanas> diálogos empotrables> pinceles. Pulsamos en “nuevo pincel”. Lo llamamos como queramos, y dejamos los parámetros en radio 480 o lo que necesitemos (cuanto mayor sea nuestra foto, mayor será el radio que necesitemos). Bajamos la dureza a 0, y el resto lo mantenemos en los valores predeterminados (púas 2, proporción 1, ángulo 0 y espaciado 20). Con color negro, empezamos a pasar el pincel en todos los detalles de la foto que necesiten ser enfocados.

• Añadimos una nueva capa que rellenamos de negro y ponemos a un 70% de opacidad. Con el mismo pincel que hemos creado antes, y usando la herramienta borrador, pulsamos en el centro de la foto 3 o 4 veces, o las que necesitemos, hasta dejar un borde que nos guste.

• Combinamos todas las capas a través de Imagen> aplanar la imagen.

• Añadimos ruido mediante Filtros> Ruido> Ruido RGB. Con la casilla “RGB independiente” sin seleccionar, reducimos los valores a 0,04 y aceptamos. Si nuestra imagen es mayor que la del video, tendremos que dejar este valor más alto para que sea perceptible.

• Creamos una nueva capa y seleccionamos la parte superior y la rellenamos de negro, para emular las bandas negras de las películas. Duplicamos la capa y la colocamos en la parte de abajo.

Ya está terminado. Opcionalmente podemos dirigirnos a Colores> Balance de color, e inclinarnos hacia un tono concreto, por ejemplo hacia el cyan, si queremos unos tonos más fríos. Este es el resultado que obtuve yo:

Espero que os animéis, ya aunque este tipo de efectos en fotografías no os hagan especial gracia, los tutoriales de este tipo son excelentes para ir familiarizándose con GIMP y aprendiendo a usar sus herramientas.

Levitation Photography 7 Tips for Getting a Great Image

Levitation images are magical! They draw the viewer in and make them think about what’s not quite right. If you search the internet for levitation photography, you will find amazing examples. However, levitation photography hasn’t become wildly popular yet. I assume it’s because levitation photography looks really difficult. I think most people would be surprised to learn that in its most basic form, it’s just compositing two or more images in editing software.

Like most portrait photographers, I shoot what I’m good at, and mostly stay inside my little portrait box. Recently, I decided I needed to get my creative juices flowing again and get out of my comfort zone. Levitation photography caught my eye. I learned the basics of how to create such images from posts like this: How to Shoot a Mysterious Levitation Photo.

My first levitation experiment was rough, to say the least. I knew the basics of how to accomplish a levitation photograph, but the images turned out mediocre. The best part though, was coming home after the shoot and writing down all the things I had learned to make my levitation images better for the next time. Below, you’ll see the lessons I learned, so you don’t have to learn the hard way.

Preparing for the Shoot

Tip #1 – Gather Your Equipment

In order to create a levitation photograph, you must have: a camera (that has manual focus capabilities), a tripod, a willing model, a strong fan (if your model has medium to long hair), and something to prop your model up (a stool, chair, or ladder). If you have a camera remote, bring that along too.

Tip #2 – Tell Your Model What to Wear

Clothing can make or break a levitation image.

• Solid color clothing is best. Prints and patterns can make it difficult if you need to clone out certain parts of clothing or liquefy fabric.
• Tell your model not to wear a jacket or sweater. Anytime the model lays upside-down, or sideways, the garment should be hanging down. But if he/she is laying on a stool, the jacket won’t be able to naturally hang leaving the image looking less realistic.
• If you’re going for a feminine levitation shot, long dresses, skirts, or extra flowing fabric can help create the look you’re going for.

Tip #3 – Shoot on a Cloudy Day

Sun and harsh shadows have the potential to create a lot of extra work for you in post-production. Editing out the stools and ladders, yet keeping a realistic shadow of your subject can turn into a job for Photoshop experts.

During the Shoot

Tip #4 – Shoot from a Low Angle

You will want to shoot from a low perspective to give the illusion that your subject is high in the air. However, be mindful of how low you are. If you are lower than the prop your model is standing/laying on, the prop will block parts of his/her body. It is safest to shoot in line with the top of the prop your model is on. Having your model situated at the very front of the prop will also lessen the chance of cutting into the body.

When I erased the garbage can, parts of the model’s body looks like it went missing since it was hiding behind the garbage can.

Tip #5 – Always Photograph the Empty Background

When preparing to photograph the frames that will create your final levitation image, follow these steps.

1. Set up your shot with your model in the frame.
2. Plan the angle you are going to shoot from and set up your camera on the tripod.
3. When your model is in place, choose the focus point on your subject.
4. Set your camera to manual focus and don’t touch it!
5. Take the different shots suggested below, in Tip #6, without moving your focus point or your camera.
6. After you’re sure you’ve captured all the images you need with your model and props, remove EVERYTHING from the scene. Photograph ONLY the empty background. This is the most important image you will take.

Tip #6 – Take Multiple Shots to Create One Image

The most basic levitation image is a composition of two or more frames. At the bare minimum, you will need at least a shot of the background and one of the model in that background.

Most great levitation images use a few more frames to add interest and make the final image more provoking. Here is a list of some shots you might want to take all without changing the focus and position of the camera:

1. Model on the prop(s) – the focus of this shot is on what the arms, legs, and body are doing.
2. Hair and facial expression – the focus of this shot is to capture the models expression and hair moving like it would naturally if the model was really in that position (floating straight up, blowing behind her, etc.). *Hair dryers and small fans are not strong enough to propel hair in specific directions. The longer and heavier the hair, the more powerful the fan needs to be.
3. Clothing – the focus of this shot is to capture the movement of the clothing (if needed). If your model is being pulled one direction, what direction should the loose fabric be moving?
4. Additional props – the focus of this shot is to photograph any extra props you want in the picture (if desired).
5. Empty background – see Tip #5 above to learn more about the importance of this shot.

Shot 2 is a perfect example of how a strong fan would have made the shot more realistic with her hair blowing behind her instead of being held up by an assistant. We did not need to photograph additional props for this image, therefore, we did not do a “Shot 4″ for this composition.

After the Shoot

Tip #7 – Putting the Images Together

Many levitation photographers use Adobe Lightroom and Photoshop to create their final images. Regardless of your software choice, it is recommended to first color correct the series of shots so they are all the same. Lightroom has a great “sync” feature to make sure the exact same settings are applied to the entire series of images.

Next, open the images in an editing software like Photoshop. Start with the empty background image. Next, add in the main image of your model as a layer with a “Reveal All” mask. Simply use a black paintbrush on the mask to remove the props supporting your model. The end of this article describes each step in more detail. Repeat those steps for each frame you’d like to add. Finally, you can merge your layers and put the finishing touches on your final image. Then voila, you have a gorgeous piece of levitation art.

1 – Empty background shot is the bottom layer, with the model image above it. 2 – Select the model image and go to “Layers”> “Layer Mask” > “Reveal All”. 3 – Select the paintbrush, make sure it is black. 4 – Simply brush over the props that you don’t want to show in the final image.

Creating levitation images lets your fantasies become “realities”. Don’t let the laws of physics prohibit you from creating true art For more inspiration, check out these great levitation images to see what is possible. You’ll be amazed.

Your Turn

Have you tried creating a levitation photograph? What was your experience? Do you have any additional tips that would help those getting started? Let us know in the comments. Also, feel free to include a link in the comments to your levitation work. We’d love to see what you create!

7 Buenos Consejos para Mejorar tus Autorretratos

Hacer autorretratos no es nada fácil. Si lo has intentado alguna vez, te habrás dado cuenta de lo que digo. El encuadre y, sobre todo, el enfoque, son dos parámetros clave para conseguir un buen autorretrato. En las siguientes líneas te doy una serie de consejos para que la próxima vez que lo intentes tengas menos problemas. ¿Te interesa?

Estás avanzando con el uso de tu cámara. Has empezado a jugar con los controles manuales, alguna noción de iluminación, y te empiezas a interesar por algunas temáticas. El retrato es una de ellas. Y no hay mejor modelo que tú mismo.

Y es que eres guapo, eres simpático, algo gracioso, y no tienes ningún pudor en posar para la cámara. Bueno, posiblemente no cumplas ninguna de estas premisas y lo sabes, pero lo cierto es que te da verguenza llamar a alguien para que haga de modelo para tí. Y es que estás haciendo tus primeros pinitos en el mundo de la fotografía y aguantar una sesión fotográfica contigo puede resultar un poco duro…

¿Qué mejor modelo que tú? Vamos a olvidarnos de la belleza y la expresividad delante de la cámara. Lo que seguro que tienes es paciencia. Con paciencia y algo de tiempo libre te puedes montar tu propio estudio fotográfico en casa y depurar la técnica todo lo que sea necesario. Así que, vamos a empezar.

El encuadre

El encuadre es la parte más fácil, así que la abordaré primero.

Parto de la base de que estás usando un trípode. Tienes la cámara montada en el trípode y estás de pie o sentado frente a la cámara. Puedes disparar con el temporizador o usar un disparador remoto.

Si todavía no tienes un disparador remoto, creo que deberías leer el artículo en el que cuento cómo conseguí mi disparador remoto por menos de 5 euros.

A la hora de realizar el encuadre no tendrás demasiados problemas siempre y cuando se trate de un retrato en plano entero a plano medio corto (expliqué los distintos tipos de plano en retrato fotográfico en éste artículo). Además, es probable que te toque reencuadrar posteriormente con una herramienta de edición fotográfica como Photoshop para encuadrar correctamente la foto.

Para primeros planos o detalles el encuadre te costará un poco más, ya que cualquier mínimo movimiento te sacará de la foto.

Por eso, independientemente del tipo de plano que utilices, recuerda el siguiente consejo: pon un espejo detrás de la cámara, de modo que puedas ver reflejado el resultado de la foto que aparece en el LCD durante el disparo o después de disparar, según el tipo de cámara que tengas.

El Enfoque

Si el encuadre te ha dado algún quebradero de cabeza, el enfoque te va a sacar de quicio completamente.

Y es que es relativamente normal que la cámara presente ciertos problemas a la hora de enfocar, con el consiguiente resultado de que no salga enfocado lo que tu quieras, o simplemente todo aparezca desenfocado en la foto.

Mucha gente hace fotos y fotos con la esperanza de que alguna sea salvable. Pero hay una serie de medidas que puedes aplicar para ahorrarte este método tan tedioso de prueba y error.

Estas son algunas de las opciones que puedes utilizar:

1. Cierra el diafragma

Esta opción es la más sencilla, pero posiblemente la peor.

La clave de un buen retrato es centrar la atención en el punto de mayor interés (normalmente los ojos). Esto se consigue con diafragmas abiertos, o lo que es lo mismo,profundidades de campo pequeñas.

Cerrando el diafragma asegurarás que la parte enfocada en la fotografía sea mayor, con lo que aumentas la probabilidad de salir enfocado todo tú, pero perderás el poder compositivo que te otorga la profundidad de campo.

Pero si no quieres curarte en salud (y harás bien), el resto de opciones te serán muy útiles.

2. Enfoca sobre un objeto

Sitúa en la posición donde vayas a estar tú después un objeto que te permita enfocar la cámara para bloquear a continuación el enfoque pasando a enfoque manual.

Te servirá cualquier cosa como un muñeco de peluche o una almohada.

3. Enfoca al revés

Lo que marca el enfoque es la distancia. Puedes coger la cámara desde el punto donde te vayas a poner tú y enfocar en la dirección donde vaya a estar situado el trípode.

La distancia entre el trípode y la posición donde vayas a estar es la misma que desde donde estés y el trípode. Fija el enfoque de ese modo y sitúa finalmente la cámara en el trípode.

4. El método de la cuerda

Este mecanismo te permitirá trabajar con aperturas de diafragma grandes. Si quieres ajustar mucho el enfoque, puedes atar una cuerda a la cámara (por ejemplo en la báse del trípode) y tensarla desde la cámara hasta tí.

La cuerda tensa te dará la distancia exacta entre la cámara y tú. Fijate en esa medida y ajusta el enfoque de forma manual con el registro que hayas marcado con la cuerda.

5. Ayudate de cinta adhesiva

Si estás posando de pie, puedes hacer una marca en el suelo con cinta adhesiva. De est emodo sabrás donde te tienes que colocar siempre, a la hora de jugar con el enfoque manual de tu cámara.

6. Ayúdate de una luz

Este es el método que me ha resultado más efectivo sin duda. Para ello necesitarás el disparador remoto.

Con la habitación a oscuras, ayúdate de una pequeña linterna para enfocar la parte del cuerpo que deseas enfocar, como por ejemplo un ojo.

El punto de luz ayudará a la cámara a enfocar, y el enfoque se realizará sobre el punto iluminado. Es un metodo que suele resultar bastante fiable y te permitirá hacer primeros planos o detalles con una precisión inimaginable.

Sacado de http://www.dzoom.org.es/